他在城市建造奇异森林，让我们可以逃进去-建筑档案

创作究竟是为什么而存在？

现代人想要逃离钢铁丛林下的都市生活，究竟可以怎么做？

除了切实地前往郊外，回归田园，巴西艺术家 Henrique Oliveira 为人类提供了另一种可能性——在现代建筑空间内，去品味与艺术相交织的自然美学。

Middle Path

©️ Henrique Oliveira

untitled (studio corner)

Ogiva

Sisyphus Casemate

©️ Henrique Oliveira

让自然回归自然

如果以传统审美的目光去凝视 Henrique Oliveira 的作品，可能很难体会到它们的独特与美丽——他总是挑拣一些废弃的木材或者板材，制作出有着树木表皮与肌理的雕塑，以及可供观众进入的隧道或洞穴等空间环境。这些作品往往跨越了建筑和艺术领域，挑战了人们对于雕塑和绘画的认知与标签。

transarquitetonica

©️ Henrique Oliveira

曾在圣保罗美术馆展出的，庞大而蜿蜒的异形雕塑“transarquitetonica”，就是他的代表作之一。

transarquitetonica

©️ Henrique Oliveira

这一作品几乎横穿整个展厅，巨型的枝条如同从地底生长蔓延开来，野蛮而肆意。枝条是空心的，可供人们进入参观。行走在这一内部通道中，你可能会产生来到原始森林的错觉——目光所及之处尽是肌理、色彩、大小完全不一的木板，它们仿佛承载着不同的故事与记忆，从味道、声音与景象等多个角度将参观者彻底包围。transarquitetonica 始于打结的树根，终于狭窄、喷着白漆的走廊，寓意着人们从昔日穴居野处到如今高楼大厦居住方式的转变。

Baitogogo

©️ Henrique Oliveira

photograph by André Morin

在巴黎东京宫博物馆展出的“Baitogogo”，是 Henrique Oliveira 的另一个代表作。它看上去像是一枚由一堆树枝状木材组成的戈登结，壮观却又富有一定的侵略性，与东京宫的横梁纠缠在一起，完全就是植物与有机物、天然木材与人造支柱的完美结合。这让许多第一次看到它的观众，都会不自觉想起建筑对于自然的依赖。

Baitogogo

©️ Henrique Oliveira

photograph by André Morin

不过艺术家本人却表示，自己是想通过这一作品，打造一种观众“无法确切知道什么是自然，什么是艺术”的情境。掌控生活的想法与掌控生活的可能性之间的矛盾，也是他渴望借此谈论的命题。

对于 Oliveira 来说，Baitogogo 甚至更具有一层象征意义——尤其是在他重新构建作品的过程中，整体概念总是会在不断调整、变化，即使保持了相同的材料和技术，理念却不可能一成不变，“就像生活一样”。

whirlwind for turner

©️ Henrique Oliveira

可以说，Henrique Oliveira 对材料的改造和再利用完全是原创的，而他的作品则一直在有机地生长着——这不仅是指他作品的美学，也是指作品被创造、处理和执行的方式。

whirlwind for turner

©️ Henrique Oliveira

来自“丛林”的力量

Henrique Oliveira 原本来自于一个名叫欧里纽斯的小镇。为了让他能进入更好的大学学习，16 岁那年母亲带着全家搬到了圣保罗。Oliveira 花了数年的时间，才逐渐适应这座城市。

parada dos quasólitos

©️ Henrique Oliveira

the origin of the third world

©️ Henrique Oliveira

在欧里纽斯，他一直是大自然的观察者。因为那里是天然属于皮划艇和露营的地方。而圣保罗的生活显然要更都市化。在这里，几乎每天都有新的建筑产生。而用于建造房屋的、最普通的木材经常被随处丢弃，留待他人再利用。

Source: ricegallery.org

于是，Oliveira 开始使用这种来自城市的材料。起初，他的作品像是几何图形——他发现自己正在不断重建那些去过的建筑。渐渐地，自然的一面开始显露出来，他开始探索木材的特性，甚至将被折断的木材与画笔笔触的视觉相似性联系在一起，从而对有机的建筑物有了更深层次的了解。

tapumes

©️ Henrique Oliveira

photograph by nash baker

事实上，Oliveira 给自己的主要定位和标签是一名画家。那些巨大而立体的、看似是建筑物一般的装置作品，在他眼中只不过是一幅幅三维的画作。

tapumes

©️ Henrique Oliveira

photograph by nash baker

Tapume 是他最为频繁使用的材料。这是一种多层的板状材料，在葡萄牙语中意为“围栏”或者“外壳”，用来指代 Oliveira 在圣保罗常见的临时木制建筑围栏，或者他在装置作品中作为主要材料使用的风化木材。

tapumes

©️ Henrique Oliveira

photograph by nash baker

早期，他通过把报纸粘在画布上并刮擦，或者把沙子和油漆混合在一起，来试验画作表面的成效。不过在圣保罗大学学习时，他取得了一个新的突破。有两年的时间，Oliveira 每天透过工作室的窗户，都会看到那些临时的木制建筑围栏。

tapumes

©️ Henrique Oliveira

photograph by nash baker

随着时间的推移，他发现木材逐渐退化并分离成多层的颜色——就好似大自然执笔在上面作画一般。在他学生生涯的最后一次展览开幕前一周，这项建筑施工完成了，而破旧的木制围栏则被丢弃了下来。于是，这位艺术家立即收集了这些废弃的材料，并尝试着安装使用。

tapumes

©️ Henrique Oliveira

photograph by nash baker

“吸引我使用这种材料（Tapume）的原因是，它就像笔触一样。”Oliveira 如此解释道，“它的表面具有其先前使用的特定纹理和记忆，让我联想到绘画时的笔触。”此后，他常常从建筑工地上带走这些原本应被用作围栏材料、却可能由于各种原因被丢弃的 Tapume。它们总是被粉刷过的，甚至有的被粉刷过好几层，因此有着截然不同的颜色。

tapumes

©️ Henrique Oliveira

photograph by nash baker

从某种意义上说，Oliveira 的作品语言是轻松自然、相互联系，又极具吸引力的。观众不需要了解任何附加的知识，即可理解作品背后的信息和深意。它们不受国别和语种的限制或束缚，每个人都可以进入其中并毫无障碍地去欣赏、享受这些作品，并且通过亲身经历去体验其中想要传递的讯息——它们时刻提醒着我们人类社会对于自然的依赖。哪怕是最不了解当代艺术的人，也可以用自己的方式来解读这些作品，从而寻找到它们对于自身的意义。

钢铁丛林中的自然艺术

如今，Henrique Oliveira 常被邀请到世界各地工作、设计，而他会针对每个区域的特殊性，来制定不同的作品。

Tapumes - Casa dos Leões

©️ Henrique Oliveira

Oliveira 有一本素描本，他会时不时在上面速写或者记录几笔自己的灵感和创意，并实地考察自己需要为之设计的空间。通常情况下，他也会考虑策展人的意见，根据空间的特性来创作。一个房间，一间画廊，或者室外建筑，都有各自的诉求。

Alley Abscess

©️ Henrique Oliveira

材料是他另一方面需要考虑的因素。在巴西，人们习惯使用 Tapume 作为建筑材料，因为它价格低廉。但在世界其他地方，都无法找到它的踪影，前往别处工作的 Oliveira 只能选择从家乡进口这一原材料。

不过他注意到，在欧洲，人们常使用塑料、金属和其他可靠的材料。而在美国，床垫、橡胶、金属屑则是最常见的。因此他也会适时选择一些当地常见的材料，来完成自己的作品。这样一来，这些作品就被打上了地域独特的烙印。

Mont Blanc

©️ Henrique Oliveira

参观过 Henrique Oliveira 作品的观众，往往都在无意间产生了情感上的共鸣。比如对于自然的向往，返璞归真的乐趣，又或者是冲破城市牢笼的渴望。这从实用程序的角度来看，也许并没有意义和用处。

但是不可否认，艺术，无论是视觉艺术、音乐艺术，还是文学艺术，它们的存在都是对人类天性、行为方式和其他需求的一种补充。它提供了一种不同的看待社会、环境和自然，甚至审视人类灵魂的方式。

Xilonoma Chamusquius

©️ Csilla Klenyánszki

不过，当 Oliveira 创作作品时，实际上从未想过人们会如何看待它们。“我只是做自己想做的事情。因为我很好奇，想知道这样做的结果，想知道当我创造出某样东西后会发生些什么。”

在他眼中，“创作”是艺术家们用来回应和满足自身需求、愿望以及好奇心的方式。但其实，他们或多或少会意识到这件作品将被人看到。

Parietal Passage

那么，“如果你确定没有人会看到你的作品，你还会去创作吗？”Oliveira 提出了这样的疑问。也许不同的艺术家对此会有不同的答案。对于他本人来说，“创作”从始至终就是一件“为自己而做的事情”。

如果它能为其他人类提供全新的视角和思考，固然是好事，但是也许并不是一件必要的事。

最后，

我们跟艺术家聊了聊

N：作为一名艺术家，创作/设计作品时首先要考虑的是什么？

H：与其说这是一种考虑，它其实更像是一种冲动。最初，它是一个持续存在于你脑海中的抽象概念，并引导你为之进行一些初步的草图设计。第二个阶段可以被称之为努力赋予这一抽象概念一个形式。当一切足够清晰且持续，它就会被传递至最后一步——将这些草图以三维的立体形式呈现。就绘画而言则有所不同，因为它们更直接地反映了那些最初的冲动。

The Mermaid in Boots

N：可以与我们分享你的灵感来源吗？

H：它可以从图画、日常生活等不同的事物中分离而来。比如，它可以来自于在小径上散步，亲近大自然。也可以来自于在一个城市里散步，看到一些快要倒塌的墙壁露出里面破旧的油漆层、广告语、真菌、划痕等等。

不过，当翻看一本艺术书籍或阅读一篇文章，或者关于文学、哲学、人类学或历史的书籍时，也可能会激发你的灵感。

Carcass

N：Tapumes 是你最常使用的材料。它最吸引你的地方是什么？

H：“Tapumes”其实并不仅仅指胶合板这种材料，而是指用这些木板围起来的建筑工地“tapando”(葡萄牙语中的动词，意思是封闭)，一个人们看不到的地方。一开始，我常常把我的第一个位于特定地点的装置称为“Tapumes”，因为它们几乎是将这些艺术品从街道转移到博物馆/画廊环境的一种操作——将其阻塞功能变成了观察对象。我最初的尝试极小，通常只是重新构建那些围栏以适应建筑而已。